我的歌你的歌大家的歌

排灣族有三寶：陶壺、琉璃珠、青銅刀（禮刀），而這些都只存於書上記載，或家中、某人的裝飾品，如何讓學生能感受到祖先的智慧、族人的藝術感，使記載能轉化成真，能形諸於外，化成紀念物和藝術品，凝聚永恆價值，更具意義。

「台北畫派」隨著文化起伏與世代交替，在1998年轉變成立「悍圖社」，主要創始成員有郭維國、楊茂林、盧怡仲、吳天章、陸先銘、連建興、李民中、楊仁明等八位藝術家，其藝術表現不再是嚴肅的社會性議題，而是從社會文化中混融了藝術家自我生命質素，他們由傳統繪畫、雕塑甚至數位影像、複合媒材等形式，其象徵性圖式取材於「城市」、「自畫像」、「流行文化」、「古代經典」、「風景廢墟」等符號元素，以扮妝、組構、錯置的手法，傳遞出嘲諷、揶揄、無厘頭、曖昧不確定的藝術語彙，闡述藝術家觀看台灣社會文化的脈動，他們的異質性傳遞出在地文化的藝術特徵，不僅偏移傳統臺灣藝術在西方藝術體系的框架，同時揭示現實與想像的界域，反映時代變遷中的藝術樣態。基於此，本展以「叛離異象」為展覽命題，意含「後台北畫派」其藝術在社會結構轉型中所顯現的變異與解放，從台北畫派過渡為悍圖社的歷程中，透析與再詮釋台灣美術與社會現實，並彰顯臺灣當代藝術的奇想世界。

顏水龍（1903-1997）是二十世紀臺灣美術史上最重要的前輩藝術家之一，出生台南，曾赴日本及法國深造，繪畫風格造型簡鍊，用色對比強烈溫暖，畫風傳達出台灣特有的陽光與熱度。戰後致力推廣臺灣工藝美術，嘗試用生活實用美學改造一般大眾的生活品質，其後理念擴展至都市景觀設計與公共藝術領域，堅持美化現代社會的理想。顏水龍成就橫跨眾多領域，本展嘗試以顏水龍一生藝術的公眾性，以及獻身形塑台灣共同理想的特質為主題，展出包括油畫、素描、工藝設計、廣告商業設計、馬賽克公共藝術等作品。優雅、素樸、都會不僅代表顏水龍的個人一生形象，也代表他所要推廣的現代台灣的文化形象。藉由這些原作，本展期待讓更多關心台灣美術的人藉此更深刻地瞭解顏水龍一生的成就與理想。

「2012台北雙年展」由目前以德國柏林為主要據點的德籍策展人安森．法蘭克（Anselm Franke）負責策劃。本屆展期：2012年9月29日至2013年1月13日，除主要展場臺北市立美術館外，並延伸到臺北市內其他地點。 「2012台北雙年展」的策展構想是和過去與歷史進行想像性的互動，進而協調歷史意識。假設全球藝術體系的共同點就是現代化的經驗和影響，本屆雙年展著重的便是全球各地藝術家針對這種經驗與過程如何闡述與進行談判協商。重現或重顯現代性，重新書寫其主要的敘述，以及，重新擬定建構的資源，這些都是具全球性規模的跨學科計畫。這項展演活動的驅使力在於希望能找到一個優勢位置發聲，並由此連結到現代化的邊緣，其目前的形態與漫長的身影與影響，以及藝術在當下轉型過程中扮演的角色。 王德威在其中國文學研究的書籍《歷史與怪獸》中提到了中國與台灣在20世紀的歷史，並談及許多的政治暴力──通常以啟蒙、理性、烏托邦為名──與虛構產物間的關聯。王德威在書中透過中國古代的惡獸檮杌來表現歷史，因為檮杌可以看見過去與未來。當歷史無法將過去的意義帶到現在時，虛構的文字就取而代之。本屆雙年展召喚檮杌，這隻虛構的怪獸是個對象，代表了人類對過去經驗的詮釋與無法追憶卻又無法忘記的官方記憶（official memory）。正是透過歷史如怪獸般的醜惡與殘暴所內含的政治與美學意義，才能在所展現的可能曙光中想像現在的狀態。 透過東南亞地區與世界各地共同策展人的合作，「2012台北雙年展」的架構下有一系列想像的微型美術館，投射出推測的歷史與未來的可能性。

蔡國強，這位自1980年代後期崛起於國際藝壇，被美國紐約時報評為世界上不可或缺的藝術家，首度在台灣舉辦回顧性大型個展，展覽作品包括分別網羅自歐美、亞洲等多所美術館及私人收藏的火藥草圖、爆破紀錄和大型裝置藝術，以及匯集許多蔡國強早期作品、文件等的《大事紀》與特別為本展創作的新作。蔡國強的創作一貫表達了一種從東方哲學和現代宇宙論所引伸的形而上思索，其氣勢磅礡的大型爆破作品和裝置藝術立足國際藝壇。這次展覽除了嘗試從國際當代藝術的實踐、社會和地緣政治的批判、東方的美學與文史哲學等文化的角度觀照蔡國強的創作外，從策畫和理念上將更深入地討論藝術家的成長背景和創作生活，希望能完整呈現蔡國強其人與其藝術精神。

錄像藝術的發展歷史無疑是藝術向現代科技取經的最佳例證。就像人們始終深信電影是20世紀的科技產物，從1895年盧米埃兄弟發表第一部無聲電影，緊接著20年代末期的有聲電影，及藉由訊號傳輸圖像和聲音，將電視影像傳送到每個家庭，從此影像對當代生活有著不可言喻的魅力。錄像藝術呈現非線性而是更多樣性的發展，從中思考其媒材、形式、內容的表現，它包含了實驗與創新、脫軌與脫序，它總是處於不定性的狀態。直到今日，90年代的數位革命一把火延燒至今方興未艾，發展出多種類型創作，錄像、音像、網路、光碟等稱之為「新媒體藝術」或「數位藝術」。而錄像藝術也是首當其衝在這波科技洪流裡，藝術家除了使用數位攝影機結合電腦合成、動畫創作影像；有些藝術家更是捨棄攝影機，直接透過數位設備諸如電腦運算與程式語言發展超越真實的數位影像作品。本展將邀請17位包括國內及日本的新世代影像創作者，作品以錄像裝置為主軸，特別是涉及動畫元素包括手繪、2-D或3-D的影像作品。

藝術雙年展與其他一般展演的差異到底為何？有些人認為雙年展僅僅是個簡單的公式：“eflux廣告＋（預算×展出空間÷藝術家人數）”。但有些人認為雙年展的重要性在於藝術可能性，營造出不明確的暫時情境，讓藝術意義重新生產。以後者的概念作為前提，2010台北雙年展發展下列概念，重新架構傳統雙年展形式：2010台北雙年展參展藝術家們在展演過程中會有更大更多的介入。除了展出新作之外，藝術家將發揮他們多面向的才能， 如教育、社會行動、田野調查、工作坊、甚至共同策展。在接下來幾個月，藝術家共同決議台北雙年展的面貌。2010台北雙年展從以往歷屆雙年展計畫發展檢驗雙年展本身的歷史機制。我們將邀請過去參展藝術家批判的回應其作品，企圖呈現台北雙年展縱向及橫向的歷史及在地關照。台北雙年展包含多元的展演計畫，以限地製作、新作、過程性作品、及論述空間生產等等不同方式展開展演現實。2010台北雙年展以複合的時間感呈現事件式的展演活動，並且讓展覽的效用能在閉幕之後繼續延續，發展持續發酵的有效性的行動及展演計畫。為了讓藝術生產及其基底能在城市中產生串聯效應，台北多處獨立藝術空間及組織將與雙年展合作各種不同的計畫、展演、事件及行動。呼應實驗性策展概念，邀請批判性的專業人士參與「人造衛星計畫」， 並積極回應雙年展本身的問題，並在展演間產生深度之介入活動。因為「藝術的生產狀態」就是原本雙年展就應該處理及因應的問題，2010台北雙年展將不會有任何制式的展覽標題。如果雙年展不同的美學及政治的標題讓各個雙年展有所殊異；那麼，我們所關心的是：雙年展本身更精確更有效的模式？畢竟，一般雙年展的目標可以利用別的方式更有效解決，例如：城市行銷、專業社群的培植、社會行動的訴求等， 可是一般雙年展在這方面的成果相當令人失望。這說明了雙年展的‘工具性’在當代的失效，更別說其藝術是否能產生任何效用。2010台北雙年展正是從反思雙年展本身作為契機的實驗。

文字語言之外，圖像語言，應該是人類最有效的溝通工具之一。以「凝望之外／典藏對語」為題策劃之2012年典藏展，為展現典藏作品圖像語言、揭示藝術意義及時代文化象徵，特別安排作品與作品之間的「對望」關係。期望觀眾在賞覽一組組相互呼應的圖像過程中，藉由作品之間形式及內容的連結，以及展間與展間的議題對應，讓作品與作品、人與自己、人和歷史產生對語與共鳴。展出內容以人物／文字／符號／自然風土／花鳥植物等題材共分7個展間，特選本館典藏50餘件作品，展出作品年代橫跨自1920年至2009年，包括近年新進收藏作品，以及近年修復完成之作品。並為了紀念年初以百歲高齡仙逝的郭雪湖先生，特闢專區，將本館所收藏之郭雪湖作品全數展出，讓美術館珍貴的藝術資產共享於觀眾面前。

「隱藏的真實：典藏品修復展」是北美館首度展示1998年至今之重要典藏品修復回顧展，除了展出北美館歷年油畫、水墨（含膠彩）及紙質等修護作品之外，同時放映修復過程中珍貴的影像，形成一場「真實與隱藏」、「動與靜」之間的時空對話。透過歷年來修復過程中的意外發現，比如特殊的裝裱、材料、簽字、畫中畫，輔以X光、紅外線、紫外線、成份分析及可見光譜分析等科學檢測分析發現藝術家獨特的創作軌跡。展覽內容共分為「可見/不可見」、「科學/對話」「歷史記憶」、「藝術再現」四個展區、以及修復紀實影像放映，藉此分享本館歷年來典藏與修復之觀察與展望。